19Th Century European Century

Seurat’s  Grande  Jatte  is  one  of  those  rare  works  of  art  that  stand  alone;  its  transcendence  is  instinctively  recognized  by  everyone.  What  makes  this  transcendence  so  mysterious  is  that  the  theme  of  the  work  is  not  some  thoughtful  emotion  or  momentous  event,  but  the  most  banal  of  workaday  scenes:  Parisians  enjoying  an  afternoon  in  a  local  park.  Yet  we  never  seem  to  fathom  its  elusive  power.  Stranger  still,  when  he  painted  it,  Seurat  was  a  mere  25  (with  only  seven  more  years  to  live),  a  young  man  with  a  scientific  theory  to  prove;  this  is  hardly  the  recipe  for  success.  His  theory  was  optical:  the  conviction  that  painting  in  dots,  known  as  pointillism  or  divisionism,  would  produce  a  brighter  color  than  painting  in  strokes.

“Seurat  spent  two  years  painting  this  picture,  concentrating  painstakingly  on  the  landscape  of  the  park  before  focusing  on  the  people;  always  their  shapes,  never  their  personalities.  Individuals  did  not  interest  him,  only  their  formal  grace.  There  is  no  untidiness  in  Seurat;  all  is  beautifully  balanced.  The  park  was  quite  a  noisy  place:  a  man  blows  his  bugle,  children  run  around,  there  are  dogs.  Yet  the  impression  we  receive  is  of  silence,  of  control,  of  nothing  disordered.

  I  think  it  is  this  that  makes  La  Grande  Jatte  so  moving  to  us  who  live  in  such  a  disordered  world:  Seurat’s  control.  There  is  an  intellectual  clarity  here  that  sets  him  free  to  paint  this  small  park  with  an  astonishing  poetry.  Even  if  the  people  in  the  park  are  pairs  or  groups,  they  still  seem  alone  in  their  concision  of  form  –  alone  but  not  lonely.  No  figure  encroaches  on  another’s  space:  all  coexist  in  peace.

“This  is  a  world  both  real  and  unreal  –  a  sacred  world.  We  are  often  harried  by  life’s  pressures  and  its  speed,  and  many  of  us  think  at  times:  Stop  the  world,  I  want  to  get  off!  In  this  painting,  Seurat  has  “stopped  the  world,”  and  it  reveals  itself  as  beautiful,  sunlit,  and  silent  –  it  is  Seurat’s  world,  from  which  we  would  never  want  to  get  off.”

Studious,  solitary,  painstaking  Georges  Seurat  died  at  the  age  of  31,  overworked  and  largely  unacknowledged.    His  professional  life  did  not  last  much  longer  than  seven  years,  and  in  that  time  he  sold  two  pictures.    Thus,  as  someone  has  pointed  out,  he  was  twice  as  successful  commercially  as  Van  Gogh,  who  sold  only  one.    Fortunately,  his  family  had  means,  and  he  did  not  have  to  depend  on  his  painting  for  his  livelihood,  for  his  method  of  work  involved  untiring  labor  and  patience.    Seurat  was  that  seeming  contradiction  in  art,  a  methodical  visionary.    His  researches  in  the  theory  of  color  were  extensive,  and  he  apparently  thought  of  his  pictures  as  demonstrations  of  the  painting  method  he  had  evolved.    But  beyond  his  mechanics  there  was  a  feeling  for  paint,  and  beyond  that  his  tireless  effort  to  realize  a  formal  structure  with  its  own  interior  harmony.

He  took  from  the  impressionists  their  freshness  of  color,  but  like  his  fellow  “post  impressionists”  –  Cezanne,  Van  Gogh,  Gauguin;  –  he  went  beyond  surface  appearance  to  inner  reality.    “Art”,  he  said,  “is  harmony”  and  the  art  of  the  painter  lies  in  the  “space  hollowed  out”  in  the  canvas.    In  other  words,  the  picture  frame  contains  not  merely  a  window  giving  on  nature,  but  a  definite  area  in  which  the  artist  creates  the  order  or  essence  or  rhythm  behind  the  show  of  appearance.    Sunday  on  the  Island  of  la  Grande  Jatte,  which  may  be  seen  in  the  Helen  Birch  Bartlett  Memorial  Collection  at  The  Art  Institute  of  Chicago,  reveals  very  clearly  the  combination  of  the  artist’s  personal  technique  and  those  impersonal  qualities  of  formal  composition  that  make  his  best  works  a  rare  aesthetic  experience.

Seurat  developed  Pointillism,  where,  rejecting  broad  brushstrokes  of  mixed  color,  he  instead  applied  tiny  “points”  of  pure  color  to  his  canvas,  relying  upon  the  observer’s  eye  to  mix  the  colors.  The  result  was  astonishing,  but  the  method,  painstaking.  This  scene,  with  over  forty  figures  and  their  surroundings,  took  the  artist  almost  two  years  to  complete,  during  which  he  refused  to  lunch  with  close  friends  lest  they  distract  him  from  his  work.  Today  it  remains  his  best-known  masterpiece  and  a  monument  to  dedication.

Seurat  was  not  just  interested  in  the  way  that  the  colors  were  put  onto  the  painting  or  the  painting  itself.  He  was  mostly  concentrating  on  the  science  in  the  picture  and  the  optical  mixing  of  the  colors.  Before  actually  painting  the  picture,  he  would  sketch  out  parts  of  his  artwork  so  that  the  models  would  not  have  to  wait  forever  while  he  found  the  exact  color.

Seurat  had  many  people  who  really  didn’t  like  the  new  work  that  he  was  introducing.  They  may  have  thought  it  as  “fuzzy”  or  “messy”.  In  their  opinion  it  really  wasn’t  very  good  at  all.  But  there  were  some  artists  who  really  felt  that  what  he  was  doing  was  very  artistic  and  complicated.  Paul  Signac,  a  fellow  artist,  was  one  of  those  people.  He  praised  Seurat  very  much.  In  one  of  his  journal  entries  he  says  of  Seurat:  “He  surveyed  the  scene  and  has  made  these  very  important  contributions:  his  black  and  white,  his  harmony  of  lines,  his  composition,  his  contrast  and  harmony  of  colour,  even  his  frames.  What  more  can  you  ask  of  a  painter?”

Signac  also  commented  on  the  importance  of  color  purity  in  a  pointillist  piece:  “I  attach  more  and  more  importance  to  the  purity  of  the  brushstroke  –  I  try  to  give  it  maximum  purity  and  intensity.  Any  defiling  sleight  of  hand  or  smearing  disgusts  me.  When  one  can  paint  with  jewels,  why  use  [manure]?  Each  time  that  my  brushstroke  happens  to  come  up  against  another,  not  yet  dry,  and  this  mixture  produces  a  dirty  tone,  I  feel  great  physical  disgust!  It  is  this  passion  for  beautiful  colours  which  make  us  paint  as  we  do…and  not  the  love  of  the  ‘dot’,  as  foolish  people  say.”  Signac  states  here  that  the  pointillist  artists  were  not  physically  into  their  paintings  for  the  “dot”  as  most  people  would  think.  But  for  the  phenomenal  optical  mixing  of  the  colors  themselves.

Seurat  invented  a  way  to  show  colors  as  they  really  are.  Not  mixed  or  dulled  or  anything  else.  He  invented  art  in  which  you  are  allowed  to  keep  the  purity  of  the  colors  as  they  come  from  the  tube,  and  yet  still  paint  and  use  an  abundance  of  tones  to  bring  life  to  your  painting.  We  all  have  him  to  thank  for  that.  So  whether  you  like  the  “fuzziness”  of  pointillist  paintings  or  not,  note  the  concentration  that  a  pointillist  artist  would  have  to  have  to  create  a  piece  that  would  have  to  be  pleasing  to  the  eye  as  well  as  scientifically  stimulating.

In  1875  Seurat  took  drawing  lessons  under  the  sculptor  Justin  Lequien.  Seurat  also  took  lessons  from  an  artist  named  Ingres.  Ingres  didn’t  paint  like  Seurat  did.  But  he  was  the  praised  student  of  Jacques-Louis  David.  Ingres  was  know  for  his  meticulous  working  procedure  in  his  works.

Seurat  spent  his  life  studying  color  theories  and  the  effects  of  different  linear  structures.  He  developed  the  style  of  painting  known  as  Pointillism.  He  had  500  works  of  art  of  his  own  and  he  was  proclaimed  to  be  a  master.  But  it  isn’t  just  the  number  of  his  works  that  make  him  an  expert.  His  magnificent  pointillist  pieces  in  make  him  the  famous  artist  that  he  is  today.

A  Sunday  Afternoon  on  the  Island  of  La  Grande  Jatte  (French:  Un  dimanche  après-midi  à  l’Île  de  la  Grande  Jatte)  is  Georges  Seurat’s  most  famous  work,  and  is  an  example  of  pointillism  that  is  widely  considered  to  be  one  of  the  most  remarkable  paintings  of  the  19th  century,  belonging  to  the  Post-Impressionism  period.

The  island  of  la  Grande  Jatte  is  in  the  Seine  in  Paris  between  La  Defense  and  the  suburb  of  Neuilly,  bisected  by  the  Pont-de-Levallois.  Although  for  many  years  it  was  an  industrial  site,  it  is  today  the  site  of  a  public  garden  and  a  housing  development.  In  1884,  the  island  was  a  bucolic  retreat  far  from  the  urban  center.

 

Reference:

Georges Pierre Seurat, French Painter, 12 Dec 2007, www.discoverfrance.net/France/Art/Seurat/Seurat.shtml

George Seurat, 12 December 2007, www.si.umich.edu/CHICO/Emerson/seurat.html

Georges Seurat, 12 December 2007, www.artchive.com/artchive/S/seurat.html